L'intensità scorre come un cavo d'acciaio attraverso l'album di Daniel Adam Where the Waves Meet . C'è anche un'ombra spettrale che riempie lo sfondo dell'album, perseguitando tutta la musica. Anche nei momenti di bellezza che esistono quando il piano delicato trasporta le tracce, quell'ombra persistente diffonde sensazioni di disagio e tensione attraverso ogni traccia. Quando Adam canta, la sua voce sussurra e quel contrasto contribuisce solo al senso di disequilibrio che permea questo album.
Mi è piaciuto molto il mix di suoni di archi e corali che Daniel Adam ha aggiunto a Where the Waves Meet. C'è una grazia e un'eleganza intrinseche a quei suoni, anche quando i momenti corali sono profondamente pesanti e potenti. C'è una sensazione "organica" per loro che contrasta con il suono tecnologico dei sintetizzatori e presta calore a quello che altrimenti potrebbe essere un paesaggio uditivo troppo desolante.
Le dinamiche sono una parte cruciale della musica orchestrale, ma sono spesso trascurate dai creatori di musica di altri generi, ma questo non è il caso di questo album. Adam usa contrasti dinamici per aggiungere più vita alla sua musica. Il senso di crescita ed espansione mentre la musica raggiunge un picco e poi gradualmente diminuisce di volume dà vita alla musica. Aumenta la potenza della musica quando tutto non è impostato su un volume costante e le nostre orecchie (e il cervello) sperimentano trame più sonore.
C'è una sensazione cinematografica su brani come "Are You There" e "Until The Sky Turns Blue". La combinazione di archi, melodie in forte crescita e l'uso di rullante e suoni di timpani contribuiscono tutti a un senso di drammatico dramma e conflitto. L'intensità e la stratificazione dei suoni aggiunge anche un'impressione di suono massiccio che avvolge l'ascoltatore e li porta via.
Ci sono due tracce su cui Adam canta e la sua consegna sibilante, quasi sussurrata, continua ad aumentare il senso di qualcosa di inquietante e oscuro che permea i vari elementi di Where the Waves Meet . Naturalmente, il contenuto lirico stesso ha un sottotono inquietante che non può fare a meno di informare la sensazione di disagio che si irradia da questo album. Ci sono molte sfumature nella musica che mi è piaciuta sperimentare.
Ne approfitterò per guardare le tracce di questo album che mi hanno incuriosito di più e parlare un po 'del perché ero così incuriosito da loro adesso.
Una semplice serie di arpeggi per pianoforte inizia a spirale attraverso "Are You There" prima di momenti di potenti tamburi e colpi di basso nella traccia. La combinazione di un suono corale maschile insieme a archi completi che si estendono nella traccia ha creato un'intensità nella traccia abbinata solo alla melodia trionfale del synth che entra. Quella melodia, tuttavia, è ancora tinta di malinconia. Le corde impennate e il implacabile rullante costruiscono il dramma puro della traccia. Si alza in un fragoroso crescendo prima di tornare lentamente agli arpeggi del piano e poi svanire.
"Stay" è una traccia con un suono spazioso, pieno e un ritmo ripetitivo che si riflette nei suoni di synth all'interno della traccia. La voce di Daniel Adam sussurra nei caldi gonfiori del suono, sibilanti e morbidi. C'è un desiderio e un dolore nei testi, un senso di raggiungimento. Questa è una traccia che utilizza livelli di suono per creare pattern intrecciati. Mi è piaciuto il modo in cui Adam ha creato un "battito cardiaco" per la traccia attorno alla quale i suoni si mescolano.
I delicati schemi di piano si distinguono da soli quando “Until the Sky Turns Blue” inizia prima che si uniscano a note di corda lunghe e singole che danno una sensazione di allungamento alla musica e un coro femminile canta note angeliche che sostengono anche. Una potente combinazione di insistenti rullanti e chitarra elettrica aumenta la tensione in questa traccia. Mi è piaciuta la melodia edificante portata dalla chitarra elettrica su questa traccia.
Il suono massiccio che Daniel Adam crea dalle percussioni, dal basso, dalla chitarra, dalle corde e dal coro cresce in proporzioni immense prima di tornare lentamente ai semplici arpeggi di piano e quel delicato coro etereo.
"Love Is Control" inizia con solidi successi di timpani e una linea di piano ripetuta. Il battito dinamico e le corde che suonano di nuovo suoni prolungati del suono aggiungono energia a questa traccia. Il coro maschile canta note singole prima di sfumare in un singolo synth che salta e balbetta su un vuoto di basso sonoro. Man mano che la traccia avanza, il coro inizia ad assumere una sensazione più esaltata e alla fine della traccia, viene espressa una sensazione più ottimista. I contrasti all'interno di questa traccia sono l'elemento che mi è piaciuto di più.
L' incontro tra le onde offre un'interessante varietà di suoni ed emozioni. C'è complessità nell'interazione di tensione, liberazione e peso emotivo in tutte le tracce e mi è particolarmente piaciuto l'uso di quei suoni di archi e corali per aggiungere profondità. Mi restava ancora un profondo senso di incombente ombra e oscurità sotto persino le parti più trionfanti dell'album. Where the Waves Meet mi ha lasciato desiderare di rivivere quell'oscurità dopo averla ascoltata una volta.
