Forse la battuta musicale più antica di tutte è la storia del turista di New York che ha chiesto a un tassista come raggiungere la Carnegie Hall.
La risposta (per coloro che non l'hanno già sentito) è stata "Pratica, pratica, pratica!" Buona risposta, considerando l'idea che la padronanza di qualsiasi abilità complessa richiede in genere circa 10.000 ore - vale 5 anni di settimane lavorative di 40 ore!
Ma la verità è che non sono davvero 10.000 ore - come il Codice del pirata, che la cifra di 10.000 ore è "più di una linea guida". Esercitati in modo più intelligente e migliorerai più velocemente. Ecco alcuni semplici consigli per farlo.
Suggerimento uno: esercitati per un motivo!
E nemmeno qualche zoppo, motivo generale. Vuoi realizzare qualcosa di specifico quando ti alleni. Analizziamolo. Esistono tre tipi di cose che i musicisti praticano:
1) Pratica tecnica. Imparano abilità fisiche, costruiscono condizionamenti fisici specifici come il "labbro" di un ottoniere o la forza delle dita di un chitarrista, o imparano materiali musicali come scale, arpeggi e simili.
2) Pratica per risolvere i problemi. Questo significa suonare le parti dure di un pezzo, quelle che non suonano (ancora!) Nel modo in cui si desidera.
3) Pratica per la continuità. Questo significa imparare a suonare o cantare attraverso la musica che intendi eseguire senza fermarti o esitare. È il tipo di pratica che piace di più esibirsi ed è importante. Sfortunatamente, è l'unico tipo di pratica che alcuni di noi fanno mai - "purtroppo" perché fare un solo tipo di pratica non è un buon modo per migliorare velocemente.
Vediamo come funziona questo modo di vedere la pratica. Ci sono tre situazioni comuni. Puoi abbinare ogni situazione al tipo di pratica richiesta?
- A) Uno studente della band deve imparare sei scale principali, con i loro arpeggi, per il prossimo "passaggio". (Esecuzione del test.)
- B) Una band garage deve imparare tre nuove canzoni che il loro cantante ha scritto per il loro prossimo concerto. Hanno esercitato tutte le parti separate durante le sessioni di scrittura e organizzazione che hanno fatto in gruppo. Devono solo lucidare le canzoni per il mostrare in modo che suonino davvero, davvero bene.
- C) Uno studente di musica universitaria si sta preparando per il concorso di concerti della Scuola di musica, che a titolo di premio offre uno spettacolo come solista con l'orchestra della Scuola e una borsa di studio da $ 500. Ma c'è una sezione nelle misure 33-37 che sembra sempre stonata, fuori tempo o entrambe.
Se hai detto:
A) - Pratica tecnica; B) —Pratica per la continuità; e C) —Pratica per risolvere i problemi, allora hai l'idea. Altrimenti, ecco perché si rompe in quel modo.
In A), lo studente sta cercando di assorbire le scale e gli arpeggi. (Il suo insegnante spera che siano sufficientemente assorbiti dal fatto che il modo di suonare dello studente sia migliorato in generale.) Questo è l'apprendimento dei materiali musicali, così come i modelli di movimento fisico che li accompagnano, così che i modelli musicali e fisici possano essere usati liberamente e con fiducia in situazioni di performance. Questa è pratica tecnica.
In B), la band sta cercando di imparare a superare le loro canzoni in modo fluido e sicuro. Vogliono calciare il culo, non solo inciampare! Hanno già capito i dettagli; stanno cercando di mettere insieme i pezzi nel modo più convincente possibile. Stanno praticando per la continuità.
Stanno anche cercando di costruire la propria fiducia nella loro capacità di "superare" il pezzo, quindi in un certo senso stanno cercando di dimostrare qualcosa a se stessi. Sfortunatamente, alcuni musicisti restano bloccati da questa parte. Sono così impegnati a dimostrare di essere pronti che trascurano la risoluzione dei problemi che devono fare per essere effettivamente pronti.
In C), la studentessa conosce il pezzo, ma sta cercando di capire un punto problematico: perché ha le difficoltà che fa e cosa può fare al riguardo? Ovviamente, ciò si sta esercitando per risolvere problemi specifici.
Questo tipo di pratica viene spesso evitato - a volte anche da coloro che pensano di farlo, ma che fanno davvero qualcosa che assomiglia di più alla pratica della continuità. Forse perché il vero problem solving richiede pazienza con se stessi e il coraggio di ammettere che c'è un problema in primo luogo. Ma è anche il più divertente, in un certo senso, perché la sfida di capire qualcosa può essere un po 'come un gioco o un puzzle. Per alcune persone, questo tipo di pratica può creare dipendenza.
In ciascuno dei casi, tuttavia, c'è una ragione per la pratica: il musicista o il gruppo sta cercando di fare qualcosa di specifico. E lo faranno più velocemente, in media, se tengono a mente il loro obiettivo. Così:
Sii propositivo!
Suggerimento due: Concentrati, almeno quanto devi!
Ognuno dei tre tipi di pratica richiede concentrazione:
--Se ti stai esercitando per la continuità, vuoi assicurarti di mantenere una forte immagine mentale del pezzo e dove ti trovi;
--Se ti stai esercitando per risolvere i problemi, devi davvero ascoltare il suono che stai producendo e confrontarlo con il suono che vuoi produrre, e devi davvero pensare a come far combaciare meglio i due ;
- E se stai praticando esercizi tecnici, devi concentrarti abbastanza per assicurarti di farli nel modo giusto, altrimenti stai sviluppando cattive abitudini che ti impediranno e che potrebbero persino causare lesioni fisiche. Tuttavia, quanta concentrazione può variare. Se stai facendo un esercizio di condizionamento che hai fatto centinaia di volte, non ci vorrà tanto quanto un esercizio destinato a contribuire a costruire una tecnica di gioco che è nuova di zecca per te. Conosco persone che hanno praticato le scale mentre guardano la TV.
Usa il tuo buon senso, ma:
Concentrato!
Suggerimento tre: rallentalo!
Questo è principalmente un consiglio per la risoluzione dei problemi. Quando risolvi un problema in un pezzo o in uno studio, stai cercando di imparare ad avere il controllo del punto problematico. Il modo migliore per ottenere il controllo è di rallentare: rallentare quasi tutti i movimenti fisici e quasi tutti possono farlo. Fallo molto lentamente, poi un po 'più veloce e ripeti il processo. Se rimani con esso, col tempo lo brucerai.
Ho quasi scritto " e presto lo brucerai", ma non è necessariamente vero. Ricordo le volte in cui mi sembrava di aver praticato qualcosa per quella che sembrava l'eternità - mesi, persino anni - e con pochi miglioramenti da mostrare.
E ricordo di aver rinunciato ad alcune cose, pensando che ci fosse qualcosa di sbagliato in me quando si trattava di imparare quella cosa. Ma credo ora che non ho persistito abbastanza a lungo. Nei casi in cui ho persistito, sono migliorato. Molto, molto meglio, in effetti. Lo farai anche tu.
Un altro suggerimento qui: rallenta il tempo per tutto il punto problematico, ma mantieni quel ritmo costante. Può sembrare stupido tenere una lunga nota nel mezzo di un punto problematico, ma se lo fai sempre, il tuo senso del ritmo ti ringrazierà. L'uso di un metronomo per mantenere onesto quel tempo lento può essere d'aiuto. Inoltre, in questo modo puoi aumentare gradualmente il tempo sul metronomo e sarai in grado di dire che stai davvero migliorando. Quindi non ti scoraggerai così rapidamente.
Rallenta!
Suggerimento quattro: cambiarlo!
Un compagno di punta tre. Un altro buon modo per assumere il controllo di un punto problematico è quello di cambiarlo! Il modo più semplice è accorciarlo: prova ad esercitarti solo con alcune note di un po 'difficile, magari "ripetendole" ripetutamente. In questo modo puoi fare molta pratica esattamente sul pezzo che devi esercitarti, molto rapidamente.
Ma puoi cambiarlo anche in altri modi. Ad esempio, puoi eliminare alcune note: note di grazia, note sul ritmo o qualsiasi altra cosa. Può sembrare un po 'folle, ma può davvero aiutare. Uno dei motivi è che può rendere la struttura ritmica molto più facile da comprendere; un altro è che può farti rilassare un po 'e concentrarti davvero sulle note che stai suonando.
Oppure puoi inserire delle pause, creando punti difficili per cui "atterrare". Quando atterri su una nota difficile, la tieni, concedendoti il tempo di ascoltarla e di sentire lo sforzo fisico di suonare quella nota. Quando sai esattamente come suona e si sente una certa nota, ne hai un buon controllo.
Ecco alcuni esempi di come cambiarlo:
I traspositori qualificati — e coloro che aspirano ad essere — possono praticare passaggi in chiavi diverse. Il leggendario trombettista della Chicago Symphony "Bud" Herseth ne è stato un grande sostenitore.
Quindi non aver paura
Cambialo!
Suggerimento cinque: ricevi feedback!
C'è una tendenza per alcuni di noi a esercitarsi in una sorta di vuoto: andiamo oltre le cose e forse ascoltiamo, ma non usiamo la verifica esterna il più possibile. E quindi non miglioriamo il più possibile.
Il modo più ovvio per verificare cosa stiamo facendo è chiedere a qualcuno che lo sa. Il tuo insegnante di musica è un'ottima scelta come critico; a volte anche i compagni di band sono un'ottima scelta. (Soprattutto quelli a cui interessa di più la musica che i tuoi sentimenti.)
Sempre più popolari come "critici" sono le registrazioni audio e video. Ascoltare qualcosa dall'esterno può aiutarci a essere un critico migliore per noi stessi - è sorprendente quanto tu ascolti chiaramente le cose che hai suonato in una registrazione che non hai sentito affatto mentre stavi effettivamente suonando.
Ma i migliori controlli quotidiani sono il metronomo e l'accordatore. Suonare su un metronomo ti farà rapidamente sapere se ti stai divertendo o meno. E l'uso di un sintonizzatore può farti sapere se stai suonando stonato più di quanto avresti potuto sospettare. (Ovviamente, ci sono anche altre opzioni su questa linea: ora c'è un software per esercitarsi e la buona vecchia tastiera può aiutare anche con l'accordatura, se la usi.)
La linea di fondo è che pochi di noi sono bravi quanto tendiamo a pensare di essere, quindi controlla l'impressione che ti dà l'orecchio.
Ottieni feedback!
Suggerimento sei: lascia andare gli errori!
So che sembra il contrario di quello che ho appena detto, ma Tip Five riguardava la risoluzione dei problemi, e ora andiamo avanti per parlare di più sulla pratica della continuità. È vero che quando si risolvono i problemi è necessario essere vigili per gli errori in modo da poterli correggere. Ma quando ti alleni per la continuità, dovresti anche esercitarti a ignorare gli errori.
Questo perché gli errori possono essere un'enorme distrazione nelle prestazioni. Non appena pensi: "Spiacenti, ho sbagliato", perdi la concentrazione sulla musica che stai suonando. Sei concentrato su te stesso. Forse ti stai picchiando: "Come potrei fare una cosa del genere?"
Ma in entrambi i casi, non stai pensando a cosa verrà dopo.
Pericolo! Avanti musica!
Quindi, quando ti alleni per la continuità, devi esercitarti a concentrarti sulla musica stessa e su come va. Se commetti un errore, continua a giocare. In altre parole,
Lascia andare gli errori!
Suggerimento 7: continua a pensare alla musica, anche se non puoi continuare a suonarla!
Accattivante, ma cosa significa?
Bene, se - Dio non voglia - commetti davvero un errore, la cosa che non vuoi fare sopra ogni altra cosa è perdere il tuo posto. Se smetti di suonare, è un male, ma se sai ancora dove ti trovi nella musica puoi tornare subito. Se ti perdi, è molto probabile che seguano ulteriori errori prima di capire dove ti trovi.
Quando ti eserciti per la continuità, quindi, vuoi costruire sia una forte immagine mentale di come va il pezzo — alcuni musicisti hanno chiamato questo “through-line” — sia la tua capacità di rimanere con quel through-through attraverso spessi e sottili . Un modo per farlo è quello di smettere intenzionalmente di suonare mentre si esercita per la continuità, pur immaginando il suono della musica mentre conti attraverso la parte "silenziosa". Ad esempio, potresti giocare ogni altra misura, immaginando le misure tra.
È un ottimo esercizio per
Continua a pensare alla musica!
Suggerimento otto: mantenerlo rilassato!
Sopra, ho scritto come se la pratica della continuità dovesse essere sempre una mini-performance. Ma non sempre! Potresti non essere fisicamente o mentalmente pronto a farlo fino in fondo attraverso un particolare pezzo. In tal caso, è meglio praticare la continuità per sezioni.
Ciò è particolarmente importante in caso di resistenza fisica. Sempre a partire dall'inizio di un pezzo e fino alla fine può portare a sapere che il finale è sinonimo di affaticamento fisico e tensione. Per sconfiggere questo, prova a praticare il pezzo per continuità per sezioni, ma iniziando dalla fine e lavorando verso l'inizio.
Un'altra variante è quella di includere "sezioni immaginate", come descritto nel Suggerimento Sette. Senza dubbio ci sono altre possibilità. Ma trova un modo
Rilassati!
Suggerimento nove: mantieni il tempo - o i tempi - onesto!
So che mi sto ripetendo qui, dal momento che ho già sostenuto l'uso di un metronomo in Tip Five, ma parte della linea di fondo di un brano è mantenere il tempo dove deve essere. Può essere costante per l'intero pezzo, nel qual caso l'uso di un metronomo è facile, oppure può variare notevolmente. In tal caso, il modo più conveniente per controllare il tempo è usare il software di accompagnamento o una registrazione della musica. Ma, comunque lo facciate, controllare il tempo mentre lucidate un brano per l'esecuzione è estremamente importante.
Mantieni il tempo onesto!
Suggerimento dieci: prenditi cura del tuo corpo!
Ho tenuto il consiglio più importante per ultimo. Ci sono un paio di modi in cui si applica questo suggerimento.
Il primo è che il tuo corpo fa parte del tuo strumento. (Se sei un cantante, è tutto il tuo strumento!) Pertanto, per suonare al meglio, devi anche mantenere il tuo corpo. Ricordo un trombonista, ad esempio, che disse che le sue sessioni di buone pratiche erano sempre iniziate con una corsa di un miglio. Una buona alimentazione, riposo ed evitamento di uno stile di vita malsano non ti renderanno automaticamente un grande musicista, ma possono dare al tuo talento e al tuo duro lavoro un vantaggio competitivo aggiuntivo.
Il secondo è che praticare (o esibirsi) male può essere pericoloso per la salute. Le lesioni da stress ripetitivo sono un vero problema tra i musicisti professionisti e non sono insolite anche tra studenti e dilettanti. Possono essere dolorosi, costosi, persino la fine della carriera.
Ma la buona notizia è che possono essere minimizzati usando una buona tecnica di gioco. (Sembra una predicazione, ma la tecnica di gioco è ideata e si è sviluppata in parte per essere fisicamente praticabile per i giocatori. Fa parte del nostro patrimonio di "saggezza culturale" come musicisti, e la ignoriamo a nostro rischio.)
È anche importante prestare attenzione all'aspetto fisico del nostro modo di suonare. Mentre dobbiamo certamente imparare a fare cose che all'inizio potrebbero non essere fisicamente a nostro agio, quando sperimentiamo un'eccessiva stanchezza in muscoli specifici, dolori persistenti, diminuzione del range di movimento o debolezza muscolare, dovremmo prestare molta attenzione e riconsiderare ciò che stiamo facendo prima che subiamo lesioni gravi.
Prenditi cura del tuo corpo!
Riassumiamo:
Suggerimento uno: esercitati per un motivo! ( Sai cosa stai cercando di fare.)
Suggerimento due: Concentrati, almeno quanto devi. (Allora fallo.)
Suggerimento tre: rallentalo! ( Mettiti in controllo del tempo.)
Suggerimento quattro: cambiarlo! (Mettiti in controllo della struttura della musica: non devi sempre esercitarla esattamente come è nella pagina. A volte è intelligente "smorzarla".)
Suggerimento cinque: ricevi feedback! (Assicurati di aver capito bene: usa sintonizzatore, metronomo, computer, registrazioni e (ovviamente) insegnanti e critici.)
Suggerimento sei: lascia andare gli errori! (Non sarà mai perfetto, ma può comunque essere una musica meravigliosa. Lascia che sia reale e lascia che passi.)
Suggerimento 7: continua a pensare alla musica, anche se non puoi continuare a suonarla! (Tieni duro il 'through-line.')
Suggerimento otto: mantenerlo rilassato! La musica è bella quando scorre, quindi non riattaccare con preoccupazione e stress.
Suggerimento Nove: mantieni il tempo - o i tempi - onesto! ( È più difficile farlo di quanto tu possa pensare, quindi controlla il tuo ritmo!)
Suggerimento dieci: prenditi cura del tuo corpo! (È l'unico che hai, giusto? La musica è buona per te, ma non se la fai male. E il tuo corpo è buono per la musica, ma non se la usi male. Quindi "testa a testa!" a come ci si sente a suonare o cantare e risolverlo, se fa male o causa debolezza o tensione!)
Ecco qua: dieci consigli per aiutarti a mantenere la tua musica divertente, sicura e per rendere il tuo tempo di allenamento il più produttivo possibile.
Spero che lavorino per te come hanno fatto per me e che ti procurino tanta soddisfazione quanto me. Soprattutto, spero che ti aiutino a portare bellezza, energia, gioia, eccitazione e illuminazione in un mondo che ne ha bisogno!
